ENTREVISTA A ABEL GARCIA

 

Es una de las figuras del folclore y canto popular uruguayo, que ha sabido marcar un camino y un estilo verdaderamente propio, con letras que buscan reflejar realidades de las más comunes para cualquiera, si bien el mismo se considera fuera del “sistema” este lo incluye constantemente cuando su música forma parte de diferentes reuniones o momentos cotidianos. En esta oportunidad paso por Periodismo en tus Manos, Abel García.

¿Cómo podrías definir la música que haces?

Me resulta bastante difícil porque yo tomo distintos elementos de otros géneros y le doy mi impronta. Cuando toco algo de folclore no lo hago como se suele hacer tradicionalmente, busco algunas variantes armónicas, incluí en algún momento hasta una guitarra eléctrica, por ejemplo, coros femeninos también, cosa que no es muy común en el folclore o en el canto popular. A veces incursiono en el tango, pero de una manera diferente. Yo grabe algunos tangos con el título Ni muy muy ni tan tangos. Tomo bastante del beat y de lo melódico porque fue algo que yo toque en mi adolescencia cuando era bajista, en Tacuarembó y aun ni siquiera cantaba. Por eso te digo que es una mezcla de todo y decir que tiene un nombre ese género es muy difícil, no podría definirlo y tampoco sé si es realmente necesario que lo haga, aunque hay mucha gente que tiene la necesidad de poder encasillarte en un género determinado…

¿Cuáles son tus principales influencias?

En mi adolescencia la música Beat y la melódica, algo de rock, mucho folclore argentino. Por aquel entonces en el Uruguay todavía no había un movimiento de canto popular que fuera importante. Se escuchaban algunos folcloristas como Tabaré Etcheverry, Aníbal Sampayo, Osiris Rodríguez Castillos…

Mas adelante en el tiempo, aparecieron Los Olimareños, Alfredo Zitarrosa y Viglietti, que pudo haber sido la primera influencia en mi estilo de cantar como cantor popular. Después vinieron las influencia de los españoles, de los trovadores como Serrat, Paco Ibáñez, Patxi Andión, Luis Eduardo Aute, etc. A mí me influyeron mucho los trovadores españoles, creo que estuve más cerca de ellos que de nuestro folclore. Así como también me pasa de manera inversa con la murga y el candombe que son géneros con los cuales no me siento identificado, por el contrario de la música popular brasileña con Caetano Veloso y Chico Buarque entre otros, que me sirvieron para pedirles prestados algunos acordes y armonías que después también las aplico a la hora de hacer canciones de folclore cosa que suena muy extraña ya que el folclore se basa en los tonos comunes y corrientes sin demasiadas alteraciones armónicas, hecho que generó que me miraran de una forma extraña en momentos donde me incline más por lo folclórico. Pero en resumidas cuentas las melodías brasileñas y los trovadores españoles han sido mis grandes influencias.

A tu entender ¿Qué es lo que define a un estilo musical como popular?

 Alrededor de los 70 en el Uruguay creo que a través del periodista Elías Turubich se le llamo canto popular a lo que hacían aquellos cantores que interpretaban el sentir del pueblo en cuanto a cuestiones sociales, porque otros géneros musicales les cantaban a otras cosas y nosotros en general teníamos muchas canciones contestatarias o haciendo referencias a las problemáticas del momento.

Ahora, si nos vamos a basar en que lo popular es algo que gusta masivamente, el canto popular nunca fue algo super masivo en cuanto a que le llegue a un porcentaje alto de la población, es para un grupo determinado y generalmente de tendencia izquierdista. Si vamos a mantener esa línea de pensamiento podríamos decir que la cumbia es más popular, es lo que más se escucha o se ha escuchado, también la música melódica. Acá ese género casi que no se ha desarrollado, prácticamente muy pocos cantores que incursionaban en lo melódico. Pero si se consume mucho lo que viene de afuera, Roberto Carlos, por ejemplo, Luis Miguel, Camilo Sesto, Chayanne, etc. Estos artistas vienen a Uruguay y llenan estadios, por lo que el termino popular hay que tomarlo con pinzas. Capas que no fue una buena idea definir al canto popular con ese nombre, como te decía, teníamos un apoyo bastante importante de gente, pero era un sector de la población y definir que un estilo musical es pueblo porque canta sobre cuestiones sociales no se si es lo correcto…

En la actualidad ¿Qué lugar ocupa la música folclórica en la sociedad?

Creo que está cada vez más debilitado el folclore y tal vez porque no se ha renovado, porque los músicos siguen tocando de la misma manera de siempre, no se abren a otras sonoridades, que en parte fue lo que yo intente, pero creo que no gusto mucho, sonaba raro. Yo no me considero un gran musico y no tengo un gran conocimiento armónico ni nada por el estilo, pero aun así esas pequeñas alteraciones creo que chocaban. Tanto así que un día un presentador de televisión bastante conocido en el mundo del folclore me presento diciendo “voy a presentar a este cantor que en realidad no se bien que es lo que hace, si es el folclore del futuro…”

Evidentemente tenía un oído bastante tapado y era poco abierto a variaciones musicales dentro del género. Poner una guitarra eléctrica y coros femeninos, en mi caso fue tomado de la música del Brasil que se utiliza mucho y a mí me encantan los colores que aportan, en Uruguay salvo que sea una cantante solista no se le da lugar a la mujer, en ese sentido el folclore es bastante machista, ese tipo de cosas son las que le afectan. A mí personalmente me aburre. En Argentina es diferente, si bien allá están en dificultades, pero han incursionado en otras sonoridades, acá no se les llega a los jóvenes porque para poder llegar a ellos tenes que darle una sonoridad que les sea familiar, si bien hay que respetar el sonido de las guitarras, las nuevas generaciones se acercan más a la electrónica. Cuando se agregan más instrumentos se usan para sonar más fuerte y no para hacer mejor música, para mí el folclore esta franca decadencia…

¿La digitalización de la música le suma o le resta al artista?

Yo creo que le suma, estoy abierto a la tecnología, creo que bien utilizada es bienvenida, con ella se pueden lograr sonoridades diferentes. Yo hice hace muy poco un trabajo de música melódica, para darme el gusto de rememorar mis tiempos de adolescente y los arreglos musicales los hizo un solo musico, recurriendo justamente a la digitalización, a los sonidos electrónicos o a veces instrumentos ampliados por ejemplo tener registrado el sonido de una batería de verdad, pero sacarla de un teclado. Si yo fuera a poner todos los músicos que sonaron en esa grabación, para mi económicamente sería imposible. Claro que me encantaría poder grabar con siete u ocho músicos de verdad, pero para mí es casi improbable…

Todo lo que sea tecnología, si se la utiliza desde la sensibilidad es decir que yo tome el sonido de un instrumento determinado, pero la creación del arreglo sea mía, simplemente utilizando la sonoridad, considero que es bienvenida y hay que estar abierto a todo eso. Lo que si no estoy de acuerdo es en adulterar, por ejemplo, a mí no me gusta que me corrijan la voz, por suerte yo afino bastante bien, pero a veces una notita te puede quedar más o menos ahí y hay formas de corregir y llevar esa nota a que quede perfectamente afinada, eso  desnaturaliza y le quita lo humano. Claro hay gente que desafina mucho, entonces necesita de ese sistema para poder sonar afinado en la grabación, pero ese ya es otro problema.

A mí me gusta mucho grabar casi como quien graba en vivo, sin metrónomos, que, si bien te permiten llevar un tiempo, pero la música no es una cosa rígida estricta, hay movimiento, es dinámica, entonces cuando se logra intentar algo demasiado puro y perfecto, se pierde lo humano que debe tener, por eso bien por la tecnología, pero si es utilizada en pos de la sensibilidad de quien crea.

 ¿Actualmente se puede decir que existe la música del interior y de la capital?

Creo que si, en Montevideo se dan una cantidad de artistas y músicos que hacen un tipo de música que por ahí en el interior no los escuchan, que además es una pena porque hay cosas realmente muy buenas que se hacen en la capital y no logran trascender en el resto del país. También tiene que ver con que no hay una difusión a nivel nacional de todo lo que se hace y el oído de la gente se va acostumbrando a lo que escucha habitualmente. Por ejemplo, Fernando Cabrera que es un musico exquisito, tiene un público determinado en Montevideo, pero lo tiene. En el interior no sé cuántos lo podrían escuchar, tal vez un pequeño grupo de esos que existen cada pueblo que tienen curiosidad en buscar otras músicas… así como te mencione a Fernando Cabrera podría haberlo hecho con otros tantos…

El interior es folclore que también está perdiendo trascendencia y está siendo suplantado por la cumbia, porque los propios folcloristas fueron los que trajeron esa situación. En los festivales hace muchos años la gente iba a escuchar a un artista cantar, tocar y apreciar lo que hacía, pasado el tiempo se empezó a apostar por el agite, por decirlo de alguna manera.

Yo no tengo nada en contra de que en un momento cantas una canción e invitas a la gente a hacer palmas y agitar un poco…  pero no puede pasar todo por ahí, a raíz de esto surgieron grupos y solistas que se dedican a la polca, entonces en los festivales es lo que suena y sirve para agitar, de esta manera se fue perdiendo ir a escuchar por el agite, al que últimamente se le agrego la cumbia, entonces los folcloristas se quejan porque no los llevan, pero ellos fueron los que transformaron los festivales en un bailongo. Y no tengo nada contra la música bailable, yo supe tocar en bailes en mi adolescencia. Por lo que creo que los festivales se deberían de dividir entre los que quieren ir a escuchar a músicos y los que prefieran ir a bailar la música que sea, cumbia, candombe polca, etc. Por eso claramente hay una música del interior y otra de Montevideo, si bien yo estoy bastante por fuera del ambiente, pero cuando me llega por alguna vía algo que hacen algunos músicos montevideanos, realmente hay cosas muy valiosas que en el interior jamás se escucharían…

¿Las problemáticas de tipo social te motivan a componer? 

En este momento no, yo nunca cante canciones tan directas, mis canciones siempre andaban por el lado de lo humanístico y hoy no me motiva tanto la problemática social para componer, si más que nunca lo humano, porque creo que en definitiva todo pasa por ahí. Los problemas sociales responden en definitiva a una cuestión humana, por eso, hoy en día estoy más abocado a mirar al ser humano y su comportamiento a través de la historia… Yo pienso que aún estamos en la Edad Media, no hemos evolucionado. La evolución que ha habido ha sido tecnológica, pero el ser humano sigue siendo exactamente el mismo, por lo tanto, me motiva más a componer una visión más humanística que social.

¿Existe una búsqueda constante en el artista para no perder vigencia o se prefiere ser fiel a un estilo?

Si, el problema es cuando los músicos predican una cosa, pero están jugados a mantenerse vigentes en la popularidad a cualquier costo, para poder seguir tocando y cantando. Pero realmente habría que ver por donde es que viene la vigencia si es el simple hecho de permanecer presente para el público que te sigue o si tienen que ver con la vigencia de la propuesta artística. Algo que pasa con el canto popular o folclore es que se le siguen cantando a las mismas cosas, las mismas reivindicaciones, que hoy suenan vacías totalmente. Por más que sigan siendo necesarias las reivindicaciones sociales. Pero para mí hoy el humano atraviesa una encrucijada mucho más trascendente. Llegando a entender que necesita una transformación espiritual, si se pudiera arribar a ese punto todo lo demás desaparecería. Porque si logramos evolucionar a un estado más avanzado de conciencia ese nuevo humano no aceptaría que hubiera injusticias sociales, de hecho, por añadidura no existirían, porque al transformarnos en hombres y mujeres de buena voluntad no podríamos concebir jamás que alguien viva en la indigencia o la injusticia… Por eso yo creo que la gran transformación hoy por hoy pasa por el ser humano. Entonces yo puedo decir sin falsas modestias y sin ningún tipo de ego que mi canto se mantiene vigente en cuanto a su concepción y lo que dice o pretende decir, sin embargo, como artista yo no estoy vigente, porque como te decía yo me aleje del sistema completamente porque cada uno acomoda su chacrita en la búsqueda de ser convocados por el Ministerio de Cultura o los organizadores de festivales, etc. Entonces creo que hay dos formas de mirar la vigencia, una es estar presente en el pueblo y la otra es que, aunque cantes para cinco, tu canto sea vigente con lo que transmite

¿Qué opinión tenes de la actualidad a nivel social?

Creo que estamos muy jodidos, nos hemos venido abajo culturalmente y eso también responde a políticas de Estado, porque aquí los que nunca se tocaron fueron los contenidos de la educación. Se preparan a los niños para que sean ciudadanos funcionales a un sistema con cero autocritica, cero capacidad de análisis o discernimiento, sin pensamiento propio. La gran transformación seria cambiar todos los contenidos, desde que comienzan en el jardín. Pero se transmiten los mismos valores de siempre sumado a la información que después no te sirve para nada, cuando lo que debería propender la educación es formar individuos para que sean felices y que desarrollen su capacidad, sí, pero no para simplemente funcionar como el sistema lo requiere, que es con un fin económico que es importante, pero con eso no logramos seres humanos felices, por algo uno ve que hay personas que están muy bien económicamente pero no están felices y eso es porque la felicidad va por otro lado, por más que tengas los mejores lujos si uno no está bien espiritualmente lo otro no sirve de nada y trae consigo la infelicidad. Cuando esto sucede, pero además existen problemas económicos, la infelicidad es mayor aún. No en vano la gente busca escaparse, hay mucho escapismo y evasión de la realidad a través de la droga y el alcohol, así como también del consumismo, ni que hablar de la evasión extrema que es el suicidio, que en Uruguay la tasa es muy alta. Cada uno trata de evadirse de una manera, porque en el fondo no se siente feliz en esta sociedad y sobre todo no se siente feliz con uno mismo y eso también tiene que ver con la búsqueda interior que no es fácil. Entonces la problemática social sigue siendo la misma porque el ser humano no se encuentra a sí mismo y si así mañana se lograra con un gobierno una mejor distribución de la riqueza y mayor justicia social, si no nos enfocamos en lo que somos, seres espirituales y emocionales no vamos a estar felices igual. El tener mayor poder económico o mayor estándar de vida no da felicidad, por supuesto que es necesario tener un techo, tener confort, tener la comida todos los días, la posibilidad de acceder a la salud, pero eso no alcanza, entonces la problemática social sigue respondiendo a un problema a nivel humano, a nuestros conflictos existenciales.

¿Quién o que le pone fin a la carrera de un artista?

La carrera del Artista transita por el camino de poder mostrar lo que hace. Si no existe un marco adecuado para que esto suceda, el artista puede ver dificultades para desarrollar su carrera. En el Uruguay bajo ningún gobierno ha existido un proyecto cultural real que los apoye, pero está la actitud, el hecho de sentirte artista y eso no se termina nunca, el que se siente artista lo sigue siendo hasta el último día de su vida, yo creo que puedo ser un ejemplo de eso. Si yo analizo mi carrera artística creo que ni siquiera la tengo, por todo lo que mencione anteriormente de estar “fuera del sistema” como yo he sido fiel a mi manera de pensar y mantener mi dignidad, yo no he tranzado con ningún partido político a pesar de poder haberlo hecho para estar más presente a la hora de ser convocado por direcciones de cultura. Entonces si pensamos que es lo que hace que pueda terminar la carrera de un artista, en mi caso se podría decir que el sistema ha hecho mucho para terminar con mi carrera porque no se me abren puertas que perfectamente podrían estar abiertas, sin necesidad de que yo tenga que pasarle la mano por la espalda a nadie o hacerme de tal o cual partido, cosa que trae muchos beneficios y lo sabemos. Pero mi condición de artista no me la coarta el sistema, yo sigo siendo artista y canto donde se me dan las posibilidades. Canto mucho en mi casa y lo disfruto y me sigo sintiendo artista y vivo como tal, es más, poco me preocupa estar arriba de un escenario o en un teatro, me atrae mucho cantar en plazas o peatonales, creo que es donde más disfruto porque me siento libre, canto para el que se arrime y el que no, seguirá su camino, pero yo sé que estoy siendo artista en ese momento, si me valoran uno, dos o tres mejor, pero tampoco necesito que alguien valore lo que yo hago, por supuesto que lo agradezco y son caricias al alma cuando viene un elogio por lo que haces, pero yo soy consciente sobre todas las cosas de lo que yo hago, sé, si a veces le emboco y hago algo bueno, como a veces sé que le erro y el resultado no es tan bueno… pero en realidad es tan simple como entender que la carrera va por un lado y el ser artista, va por otro, se puede seguir siendo artista, teniendo una carrera frustrada dentro de lo que se considera el mercado…

 

 

 

ENTREVISTA A EMIL MONTGOMERY

 

 Es uno de los artistas más polifacéticos del Uruguay que a través de la búsqueda de sonoridades, imágenes, luces y diferentes motivaciones a los sentidos busca lograr un clima en el que el espectador se sienta totalmente involucrado con lo que esta sucediendo en el escenario, esa ardua tarea le ha valido ser reconocido no solo en su país, sino que alrededor del mundo; En esta oportunidad paso por Periodismo en tus Manos Emil Montgomery.

 ¿A lo largo de tu carrera has logrado encontrar algún hilo conductor entre la música, la pintura y la arquitectura?

Para mí, todos los sentidos están intrínsecamente conectados. La forma, la estética, la pintura, los colores y la música evocan en mí respuestas automáticas. A menudo, la música surge a través de una imagen, un color o una textura; otras veces, la arquitectura me inspira a crear una puesta en escena donde la música actúa como el hilo conductor. Este enlace se manifiesta de manera natural en mí, casi como una respuesta instintiva que vincula sonido, imagen y estética.

¿Cómo podrías definir lo que haces?

Definir lo que hago puede ser contraproducente, ya que, al definirnos, nos limitamos. Crear fronteras alrededor de nuestra identidad o nuestro trabajo es, en cierto modo, programar nuestras respuestas y restringir nuestra libertad creativa. Como artista, creo que es fundamental operar en un espacio de completa libertad para descubrir lo auténtico y original en nuestra expresión. Pero entiendo que también es necesario ofrecer definiciones básicas para la comprensión en un contexto más amplio. En esencia, me considero un creador. Trabajo con diversos elementos y medios, como la música, el performance, las imágenes y los efectos visuales, buscando siempre crear una experiencia única para el espectador. Cada puesta en escena, cada espectáculo, es una oportunidad para ofrecer algo distinto, algo que resonará de manera única con cada persona que lo experimenta. Este es el rol en el que, hasta ahora, me siento cómodo.

¿Qué es lo que te inspira o motiva a componer?

Lo que me inspira a componer es un conjunto diverso de influencias y experiencias. A menudo, me siento motivado por mis propias vivencias personales y emociones que busco expresar a través de la música. Además, me inspiran el arte visual, la literatura y los movimientos culturales, lo que me permite explorar nuevas perspectivas y sonidos. Sin embargo, debo admitir que también existe un elemento más misterioso en mi inspiración: la memoria más allá de mi historia. Creo que todos poseemos una memoria que trasciende nuestra historia física o personal en este plano. Traemos recuerdos de otros lugares, ideas que se manifiestan con una claridad que varía según cuánto las nuble mi estado mental actual. Cuando logro conectarme con esas memorias, emergen composiciones maravillosas que parecen venir de un lugar ajeno a mí, como si descendieran de algún rincón desconocido de la existencia. Estas ‘memorias’ son una fuente inagotable de inspiración, revelando conocimientos que residen profundamente en mí y a los que consigo reconectarme. Este proceso es fundamental en mi búsqueda creativa, impulsado tanto por colaboraciones con otros artistas como por mi interacción continua con el mundo.”

¿Cómo la modernidad de la electrónica llega a fusionarse con ritmos clásicos o autóctonos de un lugar?

En la fusión de la modernidad electrónica con ritmos clásicos o autóctonos, observo principalmente dos caminos. El primero es un enfoque más comercial, donde se busca integrar elementos folclóricos de diversas culturas con el objetivo de crear una ‘firma sonora’ única que se distinga del estándar. Este método puede resultar en un éxito comercial rápido porque combina la novedad con las raíces culturales profundas, presentando sonidos que, aunque son nuevos para muchos, están imbuidos de una rica herencia.

El segundo camino es uno de exploración más profunda y auténtica, donde la integración de los elementos tradicionales con la electrónica se realiza de manera más reflexiva y respetuosa. Este proceso es evolutivo y considera las tradiciones no solo como un medio para un fin, sino como un componente esencial del lenguaje musical que debe evolucionar en conjunto con las nuevas tecnologías. A menudo, este enfoque da lugar a obras que perduran en el tiempo, resonando con más fuerza debido a su profundidad y autenticidad.

En ambos casos, la música electrónica, al ser un lenguaje universal, permite que estas fusiones alcancen a audiencias globales. Sin embargo, es en la profundidad de la conexión con las tradiciones donde creo que realmente se encuentra el valor duradero y el impacto emocional de la música.

¿Cuál crees que es el camino que un artista debe de recorrer para no intentar ser una moda?

El camino que un artista debe recorrer para no caer en la trampa de la moda es, en esencia, el mismo que cualquier persona debe emprender para descubrirse a sí misma. Es un viaje de introspección profunda, un proceso para desprogramarnos de la necesidad de aceptación y del deseo de ser queridos masivamente, lo cual es una gran ilusión. A menudo, se nos enseña que el éxito se mide por el nivel de aceptación que tenemos externamente, no por el grado de superación personal o por lo que realmente logramos con nosotros mismos.

Para un artista, sobre todo aquellos expuestos a la vida pública, es fácil caer en la búsqueda de estar en moda y ser aceptados, para no sentirse efímeros. Pero quien realmente desea sentirse feliz y pleno con su trabajo debe alejarse de esa necesidad de poder, que en realidad no es un poder verdadero. El verdadero poder reside en encontrarse a uno mismo, en ser auténtico y, como artista, tener la capacidad de decidir y tomar los riesgos necesarios para expresar y promover pensamientos propios, que no son meras réplicas del estándar o de la moda una vez más, disfrazada.

Un verdadero artista, no solo uno que lleva la etiqueta, siente un llamado ineludible hacia su expresión personal. Sigue una brújula interna hacia lo que realmente desea expresar, moviéndose de manera auténtica y sincera. Este es el camino que paradójicamente asegura no solo la autenticidad, sino también una relevancia duradera en el mundo del arte

¿Cuánto influye la realidad social en tu actividad como artista?

La realidad social influye profundamente en mi actividad como artista, aunque de manera distinta a como podría influir en otros. En lugar de seguir las corrientes predominantes o responder directamente a las demandas del mercado, utilizo mi arte como una forma de explorar y responder a las dinámicas sociales desde una perspectiva muy personal. Mi enfoque se centra en la introspección y en cómo los sucesos y cambios sociales resuenan a nivel personal.

Este proceso de reflexión interna me permite abordar temas sociales no solo como comentarios externos, sino como experiencias vividas que transformo en expresiones artísticas. Así, mi arte no solo refleja una realidad social, sino que también explora cómo esa realidad modifica nuestras percepciones, emociones y pensamientos. Este enfoque me ayuda a mantenerme fiel a mi visión artística y a evitar ser arrastrado por las tendencias.

En esencia, la realidad social es tanto un espejo como un catalizador en mi trabajo, impulsándome a indagar más allá de lo superficial y a buscar conexiones más profundas y duraderas con mi audiencia. Este enfoque me permite, como artista, abordar temas relevantes de manera que sean tanto universales como íntimamente personales

¿La tecnología es una ayuda para los artistas o mata un poco la esencia misma de la creación humana?

La relación entre la tecnología y la música es compleja y de doble cara, similar a su impacto en otras áreas de la vida. La tecnología puede ser tanto una bendición como un obstáculo para la creatividad, y su efecto depende en gran medida de cómo se utilice. Últimamente, he observado que la rapidez impuesta por las nuevas tecnologías puede sofocar la creatividad musical. Estamos presionados para producir constantemente contenido nuevo, para subir pista tras pista a las redes sociales y plataformas de streaming, lo que no permite que la música madure como debería.

La creatividad necesita tiempo y espacio para desarrollarse, y estos no pueden competir con los ritmos acelerados de la sociedad actual. Incluso con la llegada de tecnologías como la inteligencia artificial, que puede crear melodías y armonías, se corre el riesgo de que se erosionen aún más los procesos creativos humanos, ya que estas herramientas pueden llevarnos a depender demasiado de soluciones prefabricadas y rápidas.

Sin embargo, si se utiliza de manera consciente y respetuosa, la tecnología puede ser una herramienta democrática y poderosa que amplía el alcance y las posibilidades para los artistas. Cuando se respeta el proceso creativo, y se mantiene la fidelidad a lo que queremos expresar, la tecnología funciona como herramienta y puede enriquecer nuestra expresión artística en lugar de diluirla. En este sentido, es fundamental que los artistas aprendan a equilibrar el uso de la tecnología con un compromiso firme por la autenticidad y la profundidad en su trabajo creativo

¿Por qué crees que cada vez nos cuesta más consumir de forma masiva obras artísticas con cierto nivel de complejidad?

Creo que hay varios factores que contribuyen a que cada vez nos cueste más consumir obras artísticas de cierta complejidad de forma masiva. En primer lugar, la saturación de información y la velocidad con la que consumimos contenido digital han cambiado significativamente nuestras expectativas y nuestra capacidad de atención. Vivimos en una era de gratificación instantánea, donde el contenido rápido y fácil de digerir suele ser más apreciado porque se adapta mejor a nuestros estilos de vida agitados y a las demandas constantes de nuestra atención.

Además, las plataformas de distribución de contenido, como las redes sociales y los servicios de streaming, están diseñadas para maximizar el consumo rápido de contenido. Estos algoritmos a menudo priorizan lo que es inmediatamente atractivo o popular sobre lo que requiere un compromiso más profundo y prolongado, lo que puede desalentar la exploración de obras y o pensamientos más complejos.

Por otro lado, existe una falta de educación artística en muchos sistemas educativos, lo que limita la capacidad de las audiencias para apreciar y entender formas de arte que demandan una mayor reflexión y conocimiento. Sin un marco de referencia cultural y sin las herramientas críticas necesarias para abordar obras más desafiantes, es natural que el público en general gravite hacia opciones más accesibles y menos exigentes.

Finalmente, el clima cultural predominante que valora más el entretenimiento y la diversión inmediata sobre la introspección o el desafío intelectual también juega un rol importante en este fenómeno. Cambiar esta tendencia requerirá un esfuerzo consciente para fomentar la apreciación del arte en todas sus formas y una valoración de la complejidad como una fuente de enriquecimiento y no de alienación

¿Con que músicos te identificas y por qué?

Identificarme con músicos es un tema complejo porque, para mí, la conexión no siempre se establece con su música, sino con la persona detrás de ella, sus ideas y su enfoque creativo. Me atraen aquellos artistas que son innovadores, que proponen algo nuevo y que no tienen miedo de revolucionar su campo, aun cuando su música en sí no sea de mi agrado personal. Esta distinción entre el artista como individuo y su obra es fundamental en mi apreciación artística.

Por otro lado, hay música que me encanta, pero al conocer más sobre la vida personal y las opiniones del creador, a veces encuentro que no me identifico con su manera de pensar o de vivir. Este fenómeno es fascinante y refleja la complejidad de la relación entre artistas y sus audiencias. Creo firmemente que es importante separar la obra del artista, ya que cada una puede ser apreciada por sus propios méritos.

En la cultura actual, influenciada por las redes sociales y la omnipresencia del ‘lifestyle’, a menudo accedemos a las obras a través de la personalidad pública del artista, lo que puede distorsionar nuestra percepción de su arte. Sin embargo, considero vital esforzarnos por entender y valorar las creaciones artísticas independientemente de la vida personal del artista, porque la verdadera esencia de la obra reside en su capacidad para comunicar, inspirar y provocar, más allá de la figura que la creó.

La siguiente podría ser una lista de los artistas que desde su personaje o su música me han influenciado. En algunos casos estas dos circunstancias se combinan, pero dejaré a la imaginación de cada uno adivinarlo: Frank Zappa, John Lennon, Bob Dylan, Nina Simone, Patti Smith, Prince, Luigi Russolo, Gustavo Pena, Marvin Gaye, Pierre Henry, Jean Michel Jarre, Vangelis, Syd Barret, Johann S. Bach, Wolfgang A. Mozart, Igor Stravinsky y Bob Marley

¿Qué sentis que te queda por hacer a nivel artístico que aún no hayas hecho?

Ser un buen pianista. 

ENTREVISTA A LEONARDO CARLINI

Es guitarrista, bajista, compositor y frontman de una de las bandas mas prestigiosas de la escena rockera uruguaya, el simple hecho de mencionar el nombre Pecho e’ Fierro, nos da la noción de una banda con una identidad única a nivel musical. En esta oportunidad paso por Periodismo en tus Manos Leonardo Carlini.

¿Cómo surge Pecho e’ Fierro?

Surge allá por el año 1998. Yo antes de Pecho e’ Fierro tenía un grupo que se llamaba Globos del Sur, que por distintas circunstancias se disolvió, nunca llegamos a grabar, solo fueron actuaciones en vivo, pero las bases de esas canciones fueron el comienzo de las de Pecho e’ Fierro y hay canciones hasta el día de hoy que tocamos y que son de esa banda, que las compuse yo. En ese momento un amigo Carlos Aguette me dijo enséñame a tocar el bajo y ahí armamos la banda; con guitarras criollas empezamos a armar los temas, de Globos del Sur y canciones nuevas, buscamos un batero que hasta el día de hoy es Elvis Morales y así nació Pecho e’ Fierro.

¿Cuál es tu papel en el proceso creativo de cada tema?

Soy el compositor de la mayoría de las canciones, si bien existen letras que han aportado poetas, que son escritores amigos; en su mayoría las canciones son escritas por mi tanto la letra como la música. Yo armo las canciones en casa con la guitarra criolla y después se las muestro en los ensayos a mis compañeros y ahí empezamos a armar la parte rítmica, los arreglos…

¿El estilo de la banda estaba pensado desde un principio o se fue adquiriendo con el tiempo?

El estilo nunca fue pensado, no somos una banda de laboratorio, se fue dando con el tiempo, tanto por influencia como por accidentes, yo vengo de una familia donde mi madre era cantante de tango, entonces tengo esa influencia. En San José cuando yo era adolescente me hice fanático del rock, pero los profesores que tenía en el barrio lo único que me enseñaban a tocar eran milongas y ahí me puse a ensayar ya mis primeras canciones con acordes de milonga intentando que fueran de rock, entonces creo que eso le fue dando a Pecho e’ Fierro ese olor a música rioplatense. Yo era más bien fanático de la música Punk y cuando conocí a Carlos Aguette, bajista fundador, él era metalero y con esa impronta que yo ya traía del rock uruguayo postdictadura fue lo que formo el estilo de la banda.

¿Cuánto de rock hay en el folclore y cuanto de folclore hay en el rock?

El gran logro de Pecho e’ Fierro es que su música sea una aleación, como cuando en un crisol se funden los metales, sale una pieza única, eso es Pecho e’ Fierro; más que una fusión una aleación. Hay temas que tienen más de una cosa que otra, pero nunca fue pensado especialmente, sino que ha sido intuitivo.

¿Crees que los artistas ocupan una especie de rol social? O ¿el trabajo artístico y el comportamiento social van por carriles diferentes?

Pienso que todos hagamos lo que hagamos, tenemos un rol social, en nuestro caso es a través de las canciones y de las letras. Si, van de la mano, lo que es la letra, lo que uno escribe y como vive, en ese sentido uno tiene que ser consecuente…

Al musico generalmente se le pone la vara muy alta cuando canta una canción y se lo mira con una lupa a ver si hace lo que pregona, pero también somos seres humanos con defectos y contradicciones y uno trata de ser fiel a lo que escribió, porque fue algo que sintió, pero tampoco somos maquinas perfectas y a veces nos equivocamos como todo el mundo.

¿En qué momento crees que está el Uruguay a nivel social?

Pienso que el Uruguay esta como siempre. Como dice la canción “el hombre es siempre el mismo por más que vengan maquinas nuevas”. El rock uruguayo hace muchos años que esta, desde la época de Dino, ya hace casi medio siglo, no es moda, es parte de la cultura uruguaya.

La parte social de Uruguay está igual que siempre. Siempre ha habido gente que quiere la libertad y la igualdad y otros que quieren lo contrario. Siempre es una lucha entre ambos los que quieren mucho para pocos y los que quieren que se reparta más la torta, que generalmente son los trabajadores. En la música también, siempre ha habido rebeldía y gente complaciente, esto siempre será una lucha eterna que hace que el mundo sea mundo.

¿Las crisis de tipo social ayudan en la composición?

No creo que las crisis sociales favorezcan a hacer mas canciones, simplemente que se pone el foco mas en eso, pero en lo personal no necesito una crisis social para escribir canciones, porque pienso que estamos en una crisis permanente y eso es lo que da el movimiento. Si todo estuviese solucionado o fuese perfecto, pienso que no habría movimiento…

¿En algún momento el rock paso de moda?

El rock no es moda, es parte de la cultura, de la música popular uruguaya y es algo universal. No tengo la barita mágica para saber si en algún momento se dejara de escuchar o practicar, pero lo que sí sé es que acá en Uruguay en cualquier pueblito del interior hay bandas de rock por todos lados; hay mucha gente queriendo hacer música. Hay muchas bandas que no llegan a grabar, pero igual lo hacen por amor a la cultura rock. Los que estamos en el rock tenemos nuestros códigos y aportamos cosas muy buenas a la sociedad y no es moda es algo clásico, algo universal, así como también me gustaría pensar que el rock no morirá jamás…

¿Qué te motiva a seguir adelante en tu carrera artística?

Lo que motiva a seguir adelante es que simplemente me gusta hacer canciones y me gusta mucho ensayar. A veces las compañeras o compañeros de los músicos nos dicen - ¿y vos no tenes amigos? Claro que tengo amigos, son mis compañeros de banda, porque uno tiene sus amigos en el entorno donde se relaciona y eso es lo que me motiva, estar con mis amigos y porque me gusta mucho la música estoy esperando con ansias siempre el día del ensayo, cuando se suspende es de los días mas tristes, porque a mi lo que motiva es lo que me da felicidad y lo que me da felicidad es la música, por eso mi deseo mayor es morir en la ruta cantando, espero tener salud para hacerlo siempre.